A Discografia Completa do U2 Rankeada (do pior ao melhor)

 

 

 

Entre 1980 e o ano 2000, é possível dizer que o U2 foi a banda que melhor soube cuidar de sua carreira. Partiu de uma versão personalíssima do pós-punk, feita e assimilada em Dublin, capital da Irlanda, incorporou um traço marcante da sua cultura, a religião, e, em menos de cinco anos, estava diante de milhares de pessoas no Live Aid, lotando o Wembley Stadium naquele 13 de julho de 1985. Bono, The Edge, Adam Clayton e Larry Mullen Jr cavaram seu lugar de honra no panteão geracional em que habitavam The Cure, Echo And The Bunnymen, entre outros e passaram o trator sobre tudo e todos. Com álbuns que alargaram parâmetros e criaram uma identidade própria, o U2 foi americano, climático, original, eletrônico. Chamou Brian Eno para produzir, colaborou com Daniel Lanois, gravou com BB King, tudo em poucos anos. Depois chutou tudo isso para o alto e abraçou uma música eletrônica torta, irreverente, genial e conquistou o mundo. De novo.

 

Quando chegou ao fim dos anos 1990, o grupo parecia esgotado criativamente. Resolveu “voltar às origens” pré-eletrônica, iniciando um processo de lenta e lamentável decadência. Quando chegou 2023, o U2 estava no alçapão do fundo do poço mais distante. Todo o crédito adquirido nas duas primeiras décadas de carreira se esgotou nas duas seguintes, nos fazendo duvidar de uma remontada. Até que veio “Carnaval de Luz”, cujo título deixava claro uma espécie de tudo ou nada. Ou seria bom ou era a lápide final. Felizmente, o U2 pareceu acordar, reabrir espaço para a criatividade, ousadia e novidade. O disco está longe do melhor do grupo, mas chuta para escanteio tudo o que foi feito desde 2000, o que é muita coisa.

 

Resolvemos aproveitar o embalo e fazer o nosso ranking pessoal de discos do U2, do pior até o melhor. Veja, concorde, discorde, opine.

 

 

16. Songs of Surrender (2023) – O auto-downsizing. Este projeto infeliz do U2 revisitou 40 músicas clássicas de seu catálogo sob uma ótica acústica e reconfigurada, gravada ao longo de vários anos. Liderado por The Edge e Bono, o álbum desconstrói (destrói) arranjos originais consagrados para supostamente revelar a essência crua das letras e das melodias originais, oferecendo um registro que se pretendia melancólico na mensagem, mas que se provou melancólico no resultado. Um horror, algo para ser esquecido para todo o sempre.

 

 

15. Songs of Innocence (2014) – Um disco que se torna mundialmente famoso não por seu repertório, mas pela intrusiva e controversa distribuição automática nos iPhones de milhões de ouvintes involuntários, já nasce sob suspeita. Tentando colar as peças de uma narrativa autobiográfica que revisita as raízes juvenis em Dublin, o fascínio pelo punk setentista e as cicatrizes de perdas pessoais, o álbum traz a assinatura de Danger Mouse, Paul Epworth e Ryan Tedder. No papel, equilibra a urgência do rock de arena com texturas pop contemporâneas; na prática, soa como um pedido de desculpas burocrático que ninguém pediu.

 

 

14. Songs of Experience (2017) – Concebido como o espelho temático e tardio de seu antecessor, este álbum canaliza a prudência da maturidade frente a um mundo contemporâneo fraturado por incertezas políticas e sociais. O motor conceitual nasceu de cartas que Bono escreveu sob a vertigem de um susto de saúde, imaginando estar no leito de morte. Musicalmente, no entanto, o disco oscila entre baladas grandiosas demais para os próprios pés e produções pop polidas até perderem o corte, buscando um engajamento emocional que raras vezes transborda as caixas de som.

 

 

13. No Line on the Horizon (2009) – Fruto de sessões criativas na vibrante e caótica Fez, no Marrocos, este trabalho representou a corajosa tentativa de chacoalhar o vocabulário sonoro da banda ao reatar com a alquimia experimental de Brian Eno e Daniel Lanois. Embora tenha passado longe do radar comercial dos gigantes dos anos 80 e 90, o álbum assume riscos bem-vindos em estruturas rítmicas tortas e paisagens sonoras densas, desafiando a zona de conforto de quem esperava apenas mais hinos de estádio previsíveis.

 

 

12. How to Dismantle an Atom Bomb (2004) – Movido pelo impulso urgente de reconquistar o fio do bigode do rock de guitarras diretas após os devaneios eletrônicos, este álbum varreu os Grammys da sua edição e provou que a banda ainda dominava a carpintaria dos hinos de arena atemporais. Produzido majoritariamente por Steve Lillywhite, o disco acerta o alvo ao injetar uma eletricidade quase visceral em letras que tencionam a mortalidade, a fé e o colapso, colando ganchos melódicos na cabeça de quem quer que girasse o rádio naqueles anos.

 

 

11. All That You Can’t Leave Behind (2000) – Consagrado com alívio pela crítica e pelos fãs como o grande “retorno à forma” após a ousadia digital da década de 90, este álbum reuniu a formação clássica ao lado dos padrinhos artísticos Brian Eno e Daniel Lanois. Abandonando os excessos futuristas, a banda apostou em uma sonoridade orgânica, madura e frontalmente focada em canções de grande envergadura emocional. É o disco da transição e da resiliência, erguido com a elegância clássica de quem aprendeu a envelhecer nos palcos do mundo.

 

 

10. Carnaval de Luz (2026) – Deveria ter vindo logo após How To Dismantle An Atom Bomb (2004), o que teria evitado mais de duas décadas de marasmo e perda gradativa de relevância da banda irlandesa. O disco traz centelhas de criatividade e inquietação que não apareciam no trabalho do grupo há mais de vinte anos. É um bom álbum, com pinta de que vai crescer após várias audições e que finalmente recupera a confiança na capacidade criativa de Bono e companhia. Um trabalho que esperávamos há um bom tempo e que diz a que veio. Felizmente. Faixas essenciais: “Go (Carnaval de Luz)”, “La Reina” e “Can’t Stop Us Now”.

 

09. October (1981) – Irmão caçula e sombrio da estreia, o segundo álbum aprofundou a busca espiritual, existencial e poética que já rascunhava a alma do quarteto, embalado pela névoa gótica e pelas guitarras cortantes e angulares de The Edge. Gravado sob o chicote de uma turnê implacável e em meio a crises de consciência e dilemas religiosos profundos, o disco transpira a urgência de uma banda tateando no escuro, consolidando sua identidade nas trincheiras do pós-punk. Faixas essenciais: “Gloria”, “Fire” e “October”.

 

08. Rattle and Hum (1988) – Meio disco ao vivo, meio carta de amor desmesurada às raízes da música norte-americana — desfilando o blues, o soul e o folk com a benção de mestres como B.B. King —, este projeto ambicioso documentou o triunfo e a megalomania da turnê do álbum “The Joshua Tree” pelos Estados Unidos. Gravado em estúdios mitológicos, o álbum capta o momento exato em que a banda olhou para o retrovisor da tradição yankee para tentar entender o próprio tamanho, dividindo opiniões entre a reverência e o deslumbramento pretensioso. Envelheceu bastante. Faixas essenciais: “Desire”, “Angel of Harlem” e “All I Want Is You”.

 

07. Pop (1997) – Uma das apostas mais audaciosas, incompreendidas e subestimadas da história do rock de estádio, este álbum mergulhou sem rede de proteção na dance music, no techno, no trip-hop e nos loops industriais, espelhando a ironia ácida e a saturação da cultura de massa na virada do milênio. O tempo, implacável com os modismos da época, acabou fazendo justiça à genialidade vanguardista de sua produção eletrônica, revelando um U2 corajoso que preferiu implodir a própria fórmula a repetir o passado. Faixas essenciais: “Discothèque”, “Staring at the Sun” e “Please”.

 

06. Boy (1980) – O cartão de visitas que apresentou ao planeta a eletricidade pura, a fúria rítmica e a inocência vulnerável de quatro rapazes que mal haviam deixado a adolescência para trás. Ancorado pelo toque marcial e pulsante de Larry Mullen Jr. e pelas paisagens de guitarra espacial criadas por The Edge, o disco transformou angústias juvenis e o despertar para o mundo em hinos fundadores do post-punk britânico e irlandês. Faixas essenciais: “I Will Follow”, “A Day Without Me” e “Out of Control”.

 

05. War (1983) – O manifesto que transformou o U2 em uma força geopolítica e em reis indiscutíveis das grandes arenas, trocando o desassossego introspectivo dos primeiros discos por bandeiras fincadas no chão e hinos de protesto. Impulsionado pela percussão bélica de Mullen e por riffs cortantes como navalhas, o álbum discute conflitos armados, pacifismo e a corrosão da fé com uma intensidade suada que gravou a ferro e fogo o ativismo na identidade do grupo. Faixas essenciais: “Sunday Bloody Sunday”, “New Year’s Day” e “Two Hearts Beat as One”.

 

04. The Joshua Tree (1987) – A obra-prima definitiva que içou o U2 ao trono de maior banda do planeta, costurando a vastidão mítica, poética e árida das paisagens norte-americanas com críticas ferozes e lúcidas ao imperialismo dos Estados Unidos. Amparado por uma sequência acachapante de clássicos absolutos e pela atmosfera cinemática moldada por Eno e Lanois, este disco é um momento definidor da música pop do século XX. Faixas essenciais: “Where the Streets Have No Name”, “I Still Haven’t Found What I’m Looking For” e “With or Without You”.

 

03. Zooropa (1993) – Nascido quase como um filho bastardo e experimental das entranhas da turnê Zoo TV, este álbum levou a desconstrução industrial e eletrônica do U2 a um grau de risco raríssimo para uma banda de bilheteria global. Carregado de sintetizadores espaciais, batidas cibernéticas e versos proféticos sobre a Europa pós-Guerra Fria e a lobotomia midiática, soa até hoje como um objeto voador não identificado: um manifesto futurista que envelheceu maravilhosamente bem. Faixas essenciais: “Lemon”, “Numb” e “Stay (Faraway, So Close!)”.

 

02. The Unforgettable Fire (1984) – O marco zero da grande revolução estética da carreira, fincado na primeira e revolucionária parceria com Brian Eno e Daniel Lanois. Ao abandonar a crueza do rock de arenas em troca de texturas impressionistas, climas etéreos e ambiências profundas, a banda deu as mãos à poesia madura de Bono para transformar as cordas das guitarras em verdadeiras telas de pintura abstrata, magnéticas e soturnas. Faixas essenciais: “Pride (In the Name of Love)”, “The Unforgettable Fire” e “Bad”.

 

01. Achtung Baby (1991) – O cume criativo indiscutível do U2, parido de uma reinvenção sísmica após o peso monumental do sucesso de The Joshua Tree. Em vez de tentarem se repetir, eles destruíram a própria estátua de bronze para abraçar a ironia, os beats industriais, as distorções sujas e a urgência urbana de uma Berlim recém-reunificada. Entre o niilismo cínico e canções de amor dilacerantes, a banda reescreveu todas as regras de como uma superbanda de rock deveria soar na virada para os anos 90. Faixas essenciais: “Tryin To Throw Your Arms Around The World”, “Mysterious Ways” e “The Fly”

 

 

OBS: “Under A Blood Red Sky” (1983), “Original Soundtracks” (1995) e “Wide Awake In America” (1985) não entraram na lista por serem, respectivamente, um álbum ao vivo, um trabalho colaborativo em que a banda assumiu outro nome e, por fim, um EP ao vivo. Dos três, “Under…” é, certamente, o mais importante e sensacional, contendo um show do grupo no Red Rocks Theatre, no Colorado, em que Bono e sua turma colocaram o repertório dos três primeiros discos diante do público americano. Só a versão do single “11 O’Clock Tick Tock” ao vivo já vale o disco, mas ainda tem “Sunday Bloody Sunday” e “New Year’s Day” em leituras muito definitivas.